James Franco: Hva skjedde med ham?

Underholdning

Skrekksjangeren er sannsynligvis den vanskeligste å oppnå riktig hvis man prøver å skremme. Skrekkfilmskapere må ikke bare mestre kunsten å gå og utvikle spenning, men de trenger ofte å identifisere noe som gjør dem unike, noe som er mye vanskeligere enn å prøve å få latter i komediefilmer. Å kjenne sitt publikum i forhold til de mange skrekksubsjangene og virkelig fokusere på en av dem, reflektere nevrosene og frykten i kjernen av det menneskelige subjektet gjennom allegori, eller – kanskje viktigst – ha fingeren på pulsen til aktuelle sosiopolitiske spørsmål og kommentarer, enten tidløse eller aktuelle – kan alle bidra til dette. Sistnevnte kategori er ofte det som gir skrekkfilmer deres sanne betydning.

Oppdatert 16. juni 2023: Denne artikkelen har blitt oppdatert for nøyaktig å representere de beste skrekkfilmene som noen gang er laget, og inkluderer nå meningene og innspillene fra forskjellige MovieWeb-forfattere. Vi har også lagt til mer materiale og oppføringer for å holde dette emnet oppdatert.

Skrekkpublikummet er ekstremt godt informert og ofte unødvendig kritiske til sjangerklisjeer, enten de ser slasher-, overnaturlige, psykologiske eller kroppsskrekkfilmer. Sammen med dette er spesialeffektteknologi, politikk, moral og samfunn i kontinuerlig utvikling. Som et resultat må horror hele tiden gjenoppfinne seg selv for både publikum og tidene. Noen filmer har gjort en fantastisk jobb med å navigere i denne kontinuerlige flyktigheten, og blir ikke bare skremmende, men også helt betydningsfulle i prosessen. Dette er noen av ikke bare de beste skrekkfilmene som noen gang er laget, men også noen av de mest betydningsfulle, enten det er for deres kulturelle innvirkning, deres allegoriske betydninger og ideer, eller bare for å være fryktelig grufulle og kunstnerisk nydelige.

Innholdsfortegnelse

• 1 Alien (1979)
• 2 Black Christmas (1974)
• 3 Bride of Frankenstein (1935)
• 4 Carnival of Souls (1962)
• 5 Dawn of the Dead (1978)
• 6 Dead of Night (1945)
• 7 Ikke se nå (1973)
• 8 Øyne uten ansikt (1960)
• 9 Freaks (1932)
• 10 Kom deg ut (2017)
• elleve Halloween (1978)
• 12 Arvelig (2018)
• 1. 3 Invasion of the Body Snatchers (1978)
• 14 Det (2017)
• femten Jaws (1975)
• 16 La den rette komme inn (2008)
• 17 Nosferatu (1922)
• 18 Peeping Tom (1960)
• 19 Poltergeist (1982)
• tjue Besittelse (1981)
• tjueen Psycho (1960)
• 22 Rosemarys baby (1968)
• 23 Skrik (1996)
• 24 Sukk (1977)
• 25 The Blair Witch Project (1999)
• 26 The Descent (2005)
• 27 The Exorcist (1973)
• 28 Ringen (1998)
• 29 The Shining (1980)
• 30 The Texas Chainsaw Massacre (1974)
• 31 The Thing (1982)
• 32 The Wicker Man (1973)
• 33 The Witch (2015)
• 3. 4 Vampyr (1932)
• 35 Videodrome (1983)

Alien (1979)

På grunn av sin enkelhet, science fiction undertoner, og det faktum at den foregår utelukkende i verdensrommet, er ikke Ridley Scotts Alien din typiske skrekkfilm. Det er til og med mulig å si at det er mer en science fiction-film enn en skrekkfilm. Men det reduserer ikke den overveldende fryktfølelsen som gjennomsyrer hele filmen på 117 minutter. Det er en mesterklasse i å produsere kroppsskrekk, fantastiske hoppeskrekk og gradvis utvikle spenning. Det regjeringsgodkjente gruvemannskapet får helt klart mer enn de hadde forhandlet om når de finner den perfekte drapsmaskinen i den grufulle Xenomorph i filmens åpningssekvens av ensom romflukt, som er akkompagnert av en gjennomtrengende stillhet som skaper en ekte følelse av spenning.

Det er ikke bare en lignelse for hvordan den amerikanske regjeringen behandler sitt militære personell i utlandet; det er også en lignelse for overfall, selv om det denne gangen er kvinner som angriper menn som gjengjeldelse for overfloden av mann-mot-kvinne overgrepsscener i skrekkfilmer før filmens utgivelse. I følge manusforfatter Dan O'Bannon utnytter 'ansiktsklemmeren' cisgender-hannens frykt i dette tilfellet. Et enkelt, allegorisk mesterverk, Alien.

Black Christmas (1974)

Black Christmas, som kom ut fire år før Halloween, blir ofte sitert som opphavet til den moderne slasher-sjangeren. Det etablerte formelen for sjangeren, der en gruppe unge mennesker, typisk kvinner, blir drept én om gangen til den siste jenta ikke har noe annet valg enn å konfrontere morderen.

I tillegg til å være en av de første, er Black Christmas kjent for å ha en fantastisk rollebesetning (Olivia Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, Andrea Martin, Lynne Gryphon, John Saxon), for å ha utnyttet neondisen i juletiden før utallige andre skrekkfilmer ville, og for å ha utmerket regi fra Bob Clark (som senere skulle lage den tidløse A Christmas Story, en helt annerledes høytidsklassiker).

Mens et sorority-hjem blir overkjørt av en uidentifisert morder fra starten, holder den kanadiske slasher-filmen deg på kanten av setet. Truende telefonsamtaler, muligheten for at noen bor på loftet, og en vakkert uoversiktlig forestilling av Keir Dullea (2001: A Space Odyssey) satte denne avtalen på sengen. En av de mest skremmende scenene noensinne er det berømte telefonscenariet der operatøren og politiet prøver å spore opp en samtale.

Bride of Frankenstein (1935)

De Brud of Frankenstein er blant de mange utmerkede Universal-monsterfilmene, inkludert The Invisible Man, The Wolf Man, Dracula, House of Frankenstein, og ja, til og med den originale Frankenstein. Filmen er rarere, tristere, mer ambisiøs og morsommere enn praktisk talt noen av de andre, og den har til og med en fantastisk dramatisert sekvens med Mary Shelley, forfatteren av den originale Frankenstein, for subtilt å etablere hovedtemaene ateisme, industrialisering og etikk.

Filmen tar seg opp umiddelbart etter Frankensteins relativt forhastede konklusjon og utdyper den til det punktet at den forbedrer den originale filmen. Som titulær brud er Elsa Lanchester helt utmerket. Hun kontrasterer Bors Karloffs anerkjente Frankenstein med en subtil, men likevel visceral og katteskildring. Etter å ha blitt frisk av sin forlovede, blir Dr. Frankenstein inspirert til å forske mer i håp om at monsterets kamerat vil gjøre alt bedre (speilspeil hans eget forhold). Igjen ender alt i tårer, men denne gangen er monsteret hjerteskjærende humanisert, og ideen om at menneskeheten til slutt vil erstatte Gud får katastrofale proporsjoner.

Carnival of Souls (1962)

I Carnival of Souls, en kvinne som har fått et psykisk sammenbrudd på grunn av et kjøretøy ulykke forsøk på å slå seg til ro i en ny samfunnet men blir terrorisert av skyggefulle karakterer og skremt av skremmende menn. Filmen er viktig av en rekke grunner, inkludert det faktum at den var en av de første skrekkfilmene som var fra et kvinneperspektiv og fulgte en kvinnelig hovedperson, en kvinne som opererer resolutt mot sosiale normer og stadig kjemper mot det mannlige blikket som omgir henne; det er også en av de første rent uavhengige mainstream-filmene, og ikke bare i skrekksjangeren.

Carnival of Souls er en nesten DIY-kunstfilm, men en som er påvirket av og viet til klassisk skrekk. Den ble laget for bare 33 000 dollar av Harold ‘Herk’ Harvey, som tidligere først og fremst hadde jobbet med oppdrag for pedagogiske og industrielle kortfilmer. Alt samles feilfritt for å skape et hallusinatorisk mareritt som vil fortsette å påvirke George Romero, David Lynch og utallige skrekkfilmskapere med lavt budsjett (skumle orgelmusikk, høy kontrast svart og hvit bilder, bruk av Arriflex-kameraer for å filme bevegelse, minimalistisk, men uhyggelig sminke).

Dawn of the Dead (1978)

Det er unektelig sant at Night of the Living Dead er blant de største skrekkbildene som noen gang er laget, og at det var denne filmen som populariserte zombie sjanger. Den filmen er et mesterverk på grunn av dens tøffe svart-hvitt-fotografering, oppfattende rasepolitikk, uhyggelige bilder og pessimistiske konklusjoner. Det kan imidlertid hevdes at Dawn of the Dead ikke bare er en bedre film, men også en som er skumlere og mer betydningsfull. Dawn of the Dead var i stand til å løpe (sakte) fordi Night of the Living Dead gikk.

For første gang utnytter George Romero zombien som en metafor i oppfølgeren, noe han ville brukt i flere av sine senere verk. Dawn of the Dead er nesten en marxistisk polemikk, som setter proletariatets helter (et broket mannskap som inkluderer den utrolige Ken Foree) opp mot de borgerlige zombier (vandrer på et kjøpesenter, fortumlet forbrukere avhengige av kapitalisme, forbannet til å handle for evigheten). Fargen i Dawn of the Dead er ekstremt levende, skjermen full av den fargerike lysstyrken til merkevarebygging og fluorescens, og blodet er en minneverdig, perfekt karmosinrød. Mens svart-hvitt i Night of the Living Dead var fantastisk, er fargen til Dawn of the Dead strålende levende.

Dawn of the Dead er viktig for ikke bare å allegorisere zombien, men også for å popularisere skrekkkomedie ved å tilføre mye av filmen en grufull humor som har påvirket skrekkkomedie i flere tiår. Dawn of the Dead er grunnleggende for skrekk og for filmskaping generelt på grunn av goren, forestillingene, klippingen, spenningen og den utrolig kraftfulle, hjertebankende konklusjonen.

Dead of Night (1945)

Den skremmende britiske skrekkfilmen Dead of Night, et av de første og beste antologibildene, mestret sjangeren allerede før serier som V/H/S. Innrammingskonseptet til Dead of Night er stramt og fantastisk, med en gruppe mennesker som snakker og tester en av sine egne påståtte synske ferdigheter i en engelsk landsby. Historiene vil til slutt overlappe hverandre i en oppsiktsvekkende og uhyggelig konklusjon, men de står alene som strålende stykker som inneholder mørk humor og noen kjølige bilder som har påvirket britisk skrekk siden den gang.

Med onde dukker, morderiske ekteskapsbrytere, blodsutgytelse i julen og vandrende spøkelser, ser Dead of Night ut til å varsle europeisk skrekk på 1900-tallet og mange av tropene som nå har blitt nødvendige for sjangeren. Dead of Night er uten tvil den første skrekkfilmen som har premiere etter at England forbød sjangeren under krigen. Det føles som et direkte resultat av kollektivet traumer som britene opplevde under andre verdenskrig.

Ikke se nå (1973)

En av skrekkfilmene fra 1970-tallet som bidro til å gi sjangeren en 'highbrow' polering, var Nicolas Roegs Don't Look Now. Don't Look Now har en målt, metodisk og likevel dypt nervøs tilnærming til å skremme publikum i stedet for å spille seg inn i grove klisjeer eller stole på sjokkverdi. Her er Roegs signatur drømmeaktige redigering og fotografering konstant til stede og brukt med stor effekt.

Etter et ektepar som flyttet til Venezia etter å ha mistet datteren i en ulykke, følger historien vår dem. De to ser ut til å skimte datteren deres i forbifartene glimt over hele byen, men ingenting er som det ser ut til. Det er en strålende utforskning av tap og en av de skumleste filmene på 1970-tallet, men den er også et oppsiktsvekkende ærlig blikk på ekteskapet og, gitt emnet, en ekstremt sensuell film. Som et resultat analyserer den nesten hvordan sex og vold samhandlet for å føde en ny sjanger skrekkfilm i 1960 med Psycho og Peeping Tom.

Øyne uten ansikt (1960)

Les Diaboliques av Clouzot og Georges Franjus mesterverk, Eyes Without a Face (Les Yeux sans visage), to av de største skrekkfilmene som noen gang er laget, ble begge laget i Frankrike mellom 1955 og 1960. Mens franske skrekkfilmer egentlig ikke begynte å bli det. populære inntil den grufulle (eller bare motbydelig) New French Extremity-bevegelsen på 2000-tallet, produserte de to av de beste skrekkfilmene som noen gang er laget.

I den merkelig poetiske filmen prøver en berømt lege å fikse datterens ansikt etter en forferdelig tragedie, og gjør den 'gale vitenskapsmann'-klisjeen til noe mer vakkert, drømmende og deprimerende. Legen bortfører i all hemmelighet kvinner mens hun antas å være død og gjør et mislykket forsøk på å transplantere ansiktene deres på datterens.

Den går av og til over til ren filmpoesi, samtidig som den er grafisk plagsom (som minner om Franjus traumatiserende korte dokumentar om slakterier, Blood of the Beasts). En av de mest fengslende og varige skrekkfilmene som noen gang er laget, er Eyes Without a Face på grunn av den ubegrensede eteriske kvaliteten til denne hjemsøkende filmen om avhengighet, skyld og identitet.

Freaks (1932)

Året etter hans Bela Lugosi-mesterverk, Freaks, skapte den geniale Tod Browning nok en film som var langt mer politisk feil, foruroligende og skummel. Dracula kan fortsatt være hans mest kjente film. Det er en utfordrende film å snakke om fordi så mange rollebesetningsmedlemmer opplevde diskriminering, i tillegg til de potensielt utnyttende måtene den fremstiller ulike karakterer på.

Browning og hans casting director brukte mye tid på å lete etter den perfekte rollebesetningen fordi de ville ha filmen, som handler om en sjalu og til slutt voldelig kjærlighetsaffære blant sideshowartister, for å være så ekte som mulig. Lederne for MGM var så forferdet over skuespillernes opptredener at de forbød dem å gå inn i studio og sperret dem inn i et spinkelt telt satt opp adskilt fra det 'vanlige' personalet, til tross for at de fylte filmen med fantastisk originale tivolifagfolk. .

Rollebesetningen var effektiv, og til tross for at Freaks humaniserte disse karakterene (som for det meste ga fantastiske, uforglemmelige opptredener), protesterte folk mot filmen fordi den opprørte dem. En kvinne anla nesten et søksmål mot MGM, og kom med det absurde argumentet at Freaks førte til hennes spontanabort. År senere ville filmen få en kultfølge gjennom TV-sendinger sent på kvelden og bli hyllet som en av de beste filmene som noen gang er produsert. Det fungerer som en skremmende, Boschiansk visjon av de utstøtte, og minner oss om at vi alle er «en av dem».

Kom deg ut (2017)

Det er ikke mye å si om denne Blumhouse-klassikeren som ikke allerede har blitt sagt. Get Out, en grei Oscar-kandidat, var et lynkurs i lavbudsjettsfilmskaping; den ble skutt i løpet av 23 dager på et magert budsjett på 5 millioner dollar. Det så imidlertid ikke ut til at tilskuerne brydde seg. Faktisk brakte det inn nærmere 250 millioner dollar globalt. Jordan Peele, som også jobbet som filmens forfatter og produsent, tjente mer enn 100 000 dollar på sitt første bilde som regissør, noe som gjorde ham til den første afroamerikansk å inneha disse stillingene. Ikke bare det, men i prosessen vant han også Oscar 2018 for beste originale manus.

Den underliggende atmosfæren av uro gjennomgående er det som skiller dette ut som en herlig atmosfærisk skrekkfilm. Selv om møtet med foreldrene kan være utfordrende, er dette kanskje den verste konsekvensen man kan tenke seg. Dens evne til å kritisere og vekke diskusjoner om raseforhold, som var inspirert av filmer som Rosemarys baby og The Stepford Wives, vil for evig befeste sin status som en må-se-film.

Halloween (1978)

I Halloween populariserte John Carpenter førstepersons, knivsvingende tilnærming til italienske Giallo-filmer for amerikanske seere, eller, i Michael Meyers tilfelle, ruslet illevarslende sakte med den. Filmen, som opprinnelig fikk tittelen The Babysitter Murders, skildrer Michael Meyers som forgriper seg på tenåringsjenter på den aktuelle høytiden til han løper over Laurie Strode, det uskyldige offeret som ble helt.

Filmen etablerte (og overskred) en rekke skrekkkinokonvensjoner, inkludert skrekkstereotypen «final girl» og det udødelige monsteret. Det bidro også til å etablere en av de mest betydningsfulle seriene i skrekkhistorien. Den overlevende jomfruen til den siste jenteklisjeen har vært en uskreven «regel» i slasher-subsjangeren i flere tiår, og den var en nøkkelkomponent i den «moralsk konservative» sosiopolitiske effekten på skrekksjangeren på slutten av 70- og 80-tallet.

Arvelig (2018)

Ari Aster etablerte seg raskt i de enorme skrekkfilmarkivene med Hereditary, en melankolsk film om oppløsningen av en forstadsfamilie (et vanlig skrekk-tema) og en besittelse-thriller som skilte seg ut fra de utallige Exorsist-ripoffene. Han viser en familie som gradvis går i oppløsning som et resultat av tap, sorg, raseri og overnaturlig inngripen ved hjelp av Toni Collettes Oscar-verdige opptreden.

Arvelig kan være en av skrekksjangerfilmene som har flest situasjoner som er dramatiske, uventede og psykologisk traumatiske. Selv om den kan ha blitt overvurdert, kan det ikke benektes at den bidro til den nåværende nye bølgen innen 'forhøyet horror', som har sett sjangeren produsere noen av de mest spennende, originale verkene i hele filmen. Sinnet ditt vil bli plaget av de grufulle visjonene det skaper.

Invasion of the Body Snatchers (1978)

Skrekksjangeren har aldri sett en annen kreasjon som Invasion of the Body Snatchers. Siden den legendariske starten på 1950-tallet har filmen blitt laget nesten hvert tiår, men det som gjør dem alle så fascinerende er hvordan de alle tar opp betydelige samfunnsmessige bekymringer knyttet til tidspunktet for utgivelsen. 1970-tallsversjonen var en allegori for Watergate og offentlig mistillit; Abel Ferraras briljante Body Snatchers var en kommentar til både det amerikanske militæret og AIDS; og filmen The Invasion fra 2007, som spilte Nicole Kidman i hovedrollen, tok for seg Irak-krigen og internasjonal terrorisme. Likevel går utviklingen av en ny versjon sakte.

1978-versjonen, regissert av Philip Kaufman, kan være den beste, ettersom den blander utmerket skuespill, fantastisk grafikk, frastøtende gore og en mesterlig urovekkende finale som vil hjemsøke seerne i lang tid etter at filmen er ferdig. Det kan ha vært en av de beste skrekkfilmene på 1970-tallet på grunn av dens politiske og kulturelle undertone, men dens estetikk, øde og oppløsning gjør den til et av de mest betydningsfulle skumle bildene som noen gang er laget.

Det (2017)

Da den debuterte i 2017, gjenopplivet denne tilpasningen av It en Stephen king klassisk (og den skremmende klovnen som fulgte med) i det usannsynlige tilfellet at eleven overgår læreren. Den skremmende Pennywise, hentet tilbake fra sin vannaktige død av Bill Skarsgrd, møtte en ny gruppe utstøtte. Tim Currys arv var utvilsomt vanskelig å fullføre, men Skarsgrds skildring av The Dancing Clown kunne ikke toppes. Denne voldsomt skremmende hyllingen til originalen fra 1990 gjenopplivet på egenhånd ryktet til den sminkede byen Derry, Maine, og ansporet til en bølge av cosplay i kjølvannet.

Jaws (1975)

En hel generasjon tilskuere ble trukket til teatret av denne Spielberg-klassikeren. Selv om Jaws produksjon var plaget av mekaniske problemer med sin berømte hai, klarte den fortsatt å dominere billettkontoret og vinne tre Oscars. Dette bildet satte publikum i karakterens perspektiv, og illustrerer utvetydig at det er anledninger når det et publikum ikke kan se er mye verre enn noe en karakter kan. Den inneholdt banebrytende kinematografi og et ikonisk originalpartitur av John Williams.

La den rette komme inn (2008)

Pass deg for mobbere! Da den ble utgitt i 2008, revitaliserte den svenske skrekkfilmen Let the Right One In den bedervede vampyrsjangeren. I den blir en ung mobbet gutt venn med en merkelig kvinne som forteller ham hemmeligheten hennes, som kanskje har noe å gjøre med en eller flere døde byfolk. Vil dette føre til at han blir hennes Renfield?

John Ajvide Lindqvist, som også fungerte som filmens eneste manusforfatter, skrev romanen fra 2004 som denne filmen er basert på. Språkbarrieren påvirker ikke hvor skummel denne filmen er – eller kanskje den gjør det. Denne filmen er ganske urovekkende å se siden den fokuserer på det mørke aspektet av menneskeheten som fortalt gjennom enkle «barn».

Nosferatu (1922)

Den originale Nosferatu, den vampyr film å avslutte alt vampyrfilmer , må hedres mens man diskuterer de beste og viktigste skrekkfilmene. Selv om en Robert Eggers-regissert versjon med samme navn kommer, er F.W. Sjangerens tidligste høydepunkt fortsatt Murnaus stille versjon. Nosferatu, derimot, er over hundre år gammel og synlig foreldet. Som et resultat fortsetter den å bli sett på som en av de beste skrekkfilmene som noen gang er laget takket være sin ekspresjonistiske filmskaping og kreative bilder.

Denne tidlige, uoffisielle Dracula-tilpasningen (der en vampyr bruker en eiendomsmegler som et middel til å reise til et mer folkerikt område hvor han forfølger mannens partner) blir på en eller annen måte bedre ved å være stille; den dystre, oppstyltede filmskapingen øker skrekkfaktoren og skaper en spesielt kjølig atmosfære. Den eneste andre vampyren som kan være skumlere enn Max Schrecks ikoniske opptreden som tittelfigur er Reggie Nalder i Salem's Lot. Stoler du ikke på oss? Prøv å se den selv i et beksvart, øde hjem. Din skygge vil være den du unngår.

Peeping Tom (1960)

Kinefiler har diskutert hvilken film som er den overlegne og mest betydningsfulle i nesten 60 år: Alfred Hitchcocks Psycho eller Powell & Pressburgers Peeping Tom? Begge filmene ble utgitt i 1960, men uansett grunn ble Psycho mer populær enn Peeping Tom. Det var utvilsomt den grafiske karakteren til Psycho-dusjscenen og det spylende toalettet, samt måten Peeping Tom målrettet anklager betrakteren ved å plassere dem i drapsmannens sko.

Filmen, som følger en kameramann som bokstavelig talt dreper med kameraet sitt (etter å ha festet et blad til det slik at han kan ta opp ofrene sine), er en av de første store metakommentarene om medieforbruk og vårt samfunns avhengighet av vold. Peeping Tom, en ekte uteligger i Powell & Pressburgers kollektive filmografi (som inneholdt mesterverk som The Red Shoes og Black Narcissus), legemliggjør fortsatt deres estetikk takket være dens fantastiske fargepaletter, som gjør dette tidlige eksemplet på slasher-skrekk desto mer foruroligende.

Poltergeist (1982)

Med fantastisk grafikk og en Spielbergsk følelse av undring, Poltergeist tar opp tradisjonelle skrekksjangerbekymringer, inkludert det overnaturlige, klovner, ødelagt teknologi og tap av familie. Filmen, som er nok en skrekkkritikk av forstedene, kan tolkes som en allegori for den mest ekstreme og kapitalistiske formen for å flytte kjernefamilien til forstedene i Reagan-tiden (først på 1950-tallet, deretter på 1980-tallet), med ingen hensyn til arbeiderklassen eller fargede som blir tråkket på i prosessen. Tross alt ble huset besatt fordi det var målrettet bygget over en urfolks kirkegård.

For å tjene raske penger ble eiendomskjøpet gjennomført uten engang å tenke på avdøde. Resultatene var katastrofale: datteren deres ble holdt fanget av spøkelsene til den avdøde begravet under huset, sønnen deres ble angrepet av en lekeklovn og nesten spist av et levende tre, og bassenget deres ble fylt med kistene som ble brukt til å bygge huset . Poltergeist er et ypperlig eksempel på hvordan man kan fremkalle skrekk uten å ty til umotivert vold eller gørr, og den overgår nesten alle R-rated skrekkfilmer som noen gang er laget for en familiefilm med en PG-vurdering.

Besittelse (1981)

En ting er imidlertid sikkert: Isabelle Adjanis opptreden i Possession er muligens den beste i hele skrekkfilm. Possession er en merkelig film, og noen seere kan bli forvirret av den, mens andre kan være ekstremt opprørt. Her opptrer hun som en galning som er helt ute av kontroll, fullstendig avslørt, og som veksler mellom skremmende erotikk og voldsomt aggressiv galskap. Filmen fra 1981 av Andrzej Uawski minner om en thriller fra den kalde krigen og en skummel kjærlighetshistorie som har blitt sprengt med grufull redsel.

Sam Neill tror at kona hans Adjani har en utenomekteskapelig affære, og etter å ha undersøkt litt får han vite at hun har blitt koblet til et frastøtende monster. Possession er et vanvittig virvar av kinematisk geni som er politisk allegorisk ladet, dypt psykologisk og skremmende visuelt.

Psycho (1960)

Uten Psycho, en Alfred Hitchcock-film om en manns (Anthony Perkins) skremmende fiksering til moren sin og de freudianske farene ved at foreldre forbyr barna sine å være uavhengige voksne av bekymring for tomt reir-syndrom, ville ikke den amerikanske slasher-subsjangeren eksistert. Filmen er beryktet for sin uventede nihilisme, sitt valg om å slutte å følge hovedrolleinnehaveren midtveis i filmen, og sin urovekkende atmosfære, som fungerte som drivkraften til en helt ny sjanger av atmosfærisk skrekk.

La oss ikke glemme den ikoniske dusjscenen, som inneholdt førstepersons knivstikkingsperspektivet mellom uanstendig seksuelle bilder som senere skulle bli et kjennetegn i store Giallo-skrekkfilmer og de følgende slasher-filmene på 1980-tallet. Psycho er Hitchcocks mest perfekte destillasjon av spenning og seksualitet, og den ga opphav til en ny æra i skrekk. Psycho ble i utgangspunktet omfattende begrenset på grunn av sin brutalitet og kommentarer om kjønn og seksualitet.

Rosemarys baby (1968)

Uten den sagnomsuste Rosemary's Baby, ville ingen liste av denne art være fullstendig. Selv om Polanskis andre skrekkmesterverk, Repulsion og spesielt The Tenant, lett kan inkluderes her, er det en varig klassiker av sjangeren og en av de mest paranoiainspirerende filmene som noen gang er laget. Et ungt par slår seg ned i en nydelig ny leilighet; de blir venner med naboene, og blir etter hvert foreldre for første gang. Men det som burde være en gledelig vending, blir i stedet til et mareritt.

Du bør se Rosemary's Baby hvis sataniske kulter gir deg kryp. Rosemary's Baby fremstilte perfekt ondskapen som ulmet under overflaten, klar til å sprekke, som en filmatisk motpol til hippiebevegelsen og freden og kjærligheten som ble kringkastet i media.

Skrik (1996)

Nær århundreskiftet (og årtusenskiftet) gjorde filmen Scream meta-subsjangeren populær. Selvfølgelig er den første filmen i en serie vanligvis den fineste – spesielt i dette tilfellet. Likevel lyktes serien, med den femte og siste oppføringen så vellykket at selv Scream VI har prestert eksepsjonelt bra. I mellomtiden blir Wes Cravens debutfilm fortjent sett på som en klassiker som bidro til å bane vei for metakommentarfilmer og den sardoniske, nesten brechtianske distanseringen som ville dominere kino i 1990-tallet .

Handlingen følger en videregående skole som blir plaget av en mystisk Ghostface-morder som i stillhet filmer sin egen film med hvert drap. Scenariet er satt til den fiktive byen Woodsboro. Den originale filmen, som har slagordet 'Noen har tatt kjærligheten til skumle filmer et steg for langt!' satte scenen for en strålende oppfølger og en overraskende sterk franchise. Den ga også noen av de samme sjokkene som Psycho gjorde tre tiår tidligere ved å være villig til å drepe viktige karakterer og undergrave publikums forventninger.

Sukk (1977)

En av de mest originale og smarte skrekkfilmene som noen gang er laget er Suspiria, som også muligens er Dario Argentos beste Giallo-film. Suzy Bannion (Jessica Harper), en amerikansk ballettstudent med høye karriereforventninger, flytter til en berømt danseinstitusjon i Tyskland for senere å få vite at skolen faktisk drives av en drapspakt. hekser . Suspiria beveget seg inn i det fargerike okkulte med et ikonisk 70-tallsfilmpartitur og gjentatt hypnogisk musikk fra Goblin som sprenger scener som stort sett viker unna det vanlige mordmysteriet med én person.

En av de skumleste filmene som noen gang er laget, filmen bygger mesterlig spenning og har en drapsscene så grafisk at åtte minutter måtte tas ut av den amerikanske versjonen for å få den til å bli en R-vurdert film. Halloween-filmene, som naturlig nok ansporet til gjenopplivingen av slasher-skrekkundersjangeren, ble direkte påvirket av Suspiria. Tallrike skrekkregissører har siden blitt påvirket av Argentos preferanse for stil fremfor innhold.

The Blair Witch Project (1999)

Selv om den tidligste funnet-filmen antas å være Cannibal Holocaust, gjenopplivet The Blair Witch Project undersjangeren i 1999 og mestret den på godt og vondt samtidig. Publikum ble skremt da filmen, om en gruppe studentfilmskapere som reiser inn i gåtefulle Black Hills for å se inn i en urban legende, ble utgitt. Filmen improviserte dyktig mye av språket fra det 35-siders manuset mens det stort sett brukte nybegynnere skuespillere, noe som ga inntrykk av en ekte hjemmefilm.

Filmens eksepsjonelle kritiske og økonomiske suksess – den tjente 250 millioner dollar over hele verden på et budsjett på bare 400 000 dollar – gjenopplivet skrekksjangeren for det forestående 21. århundre. Blair Witch Project fortsetter å være den mest betydningsfulle skrekkfilmen, til tross for at den har bidratt til både den største og den verste.

The Descent (2005)

Seks kompiser samles i en umiddelbar klassiker etter en forferdelig tragedie som involverer hovedpersonens familie. Gruppen med unge kvinner velger å reise til de isolerte vestlige Appalachene og dykke i grotte selv om hun fortsatt er i bedring og sørger mye. Gruppen legger ut på det de trodde ville være en morsom utflukt, men når de møter villdyr, tar deres nedstigning til de skyggefulle dypet av bakken en klaustrofobisk og grufull vending.

Sterke kvinnelige karakterer som på en gang er rotete og grådige, som vi alle av og til er, er spennende å se, og filmens metaforiske rammeverk gir rom for et bredt spekter av tolkninger. Filmen er en bokstavelig reise inn i psykene til feministisk politikk og det 21. århundres frihet, med mange nevroser og kulturelle vanskeligheter som praktisk talt viser seg i grufulle scenarier. I tillegg gir bøkenes praktfulle fake-out-finale i The Descent oss fortsatt gåsehuden år senere.

The Exorcist (1973)

Utgivelsen fra 1973 av Eksorsisten fungerte som modell for utallige mer mindre kjente besittelsesfilmer som ville følge. Regan (Linda Blair), en søt 12 år gammel jente, er besatt etter at en eldre prest utilsiktet slipper ut en demon i filmen, noe som kan ha virket som typisk B-filmkost, men den viste hvor godt laget skrekk kan være både kritisk rost og økonomisk vellykket. Som det ofte er tilfelle med skumle filmer (noe som kan være et tegn på vår kollektive opptatthet av skrekksjangeren), var tilskuere på den tiden både forferdet og merkelig betatt av filmen.

Freaks brakte skrekkkinoen full sirkel da fansen spydde, kollapset, og en dame i New York skal ha spontanabortert etter en visning av The Exorcist, som på den tiden var mer intens enn de fleste teatre noen gang hadde sett. Ekstreme reaksjoner fra publikum utløste protester (som økte interessen enda mer), og teatre leide inn ambulanser for å vente utenfor dørene i tilfelle ytterligere helseproblemer blant lånetakerne deres utviklet seg. Selv om spesialeffekter og historiefortelling har utviklet seg de siste 50 årene og ingenting lignende har blitt sett siden, er The Exorcist fortsatt den mest skumle filmen de noen gang har sett. Fram til 2017s It, hadde filmen de mest R-vurderte billettkontorinntektene, hovedsakelig på grunn av dens evne til å sjokkere og avsky seerne samtidig som den klarte å være kunstnerisk. På grunn av sin kreativitet og appell, har skrekkfilmen slik vi kjenner den nå blitt transformert.

Ringen (1998)

Japansk overnaturlig skrekkfilm The Ring, ofte kjent som Ringu for nordamerikanske seere, er basert på Koji Suzuki-romanen. Denne filmens tre hovedskuespillere var Nanako Matsushima, Miki Nakatani og Hiroyuki Sanada, ikke Naomi Watts, som i 2002-versjonen.

Denne filmen (og, teknisk sett, dens nyinnspillinger) er eksepsjonell ved at den skapte terror før folk i det hele tatt slo på TV-en for å se. Tanken var grei: se denne forbannede filmen og bli forbannet. Ikke bare forbannet, men også skjebnebestemt til å gå bort i løpet av neste uke. Dette reiste spørsmålet om det å se denne hjemsøkte VHS-en kan føre til at seerne dør, selv stedfortredende. Heldigvis var svaret et kategorisk nei. Likevel fikk den en helt ny generasjon av seere av funnet opptak som spent teller ned dagene på sine analoge kalendere.

The Shining (1980)

The Shining av Stanley Kubrick, en film om en forfatters reise inn i galskapen på et hjemsøkt hotell i lavsesongen, er en mesterlig tilpasning av Stephen Kings roman med samme navn. Hver ramme av filmen, som ofte siteres i populærkulturen, viser hvor intenst isolert Jack Torrance ( Jack Nicholson ) er. Fans resiterer ofte slagordene 'Redrum!' og 'Alt arbeid og ingen lek gjør Jack til en kjedelig gutt.'

Med en dæsj hyttefeber og demonisk hjemsøkelse innkastet, skildrer filmen et alvorlig eksempel på familiedysfunksjon i sammenheng med en usunt balansert arbeids-livsplan, stressene samfunnet og patriarkatet legger på arbeiderklassen. Filmens kreativitet er kjent, og publikum vil alltid huske dens minneverdige bilder og skumle situasjoner. Library of Congress valgte The Shining til å bli bevart i USAs nasjonale filmregister fordi det var 'kulturelt, historisk eller estetisk' betydningsfullt, som flere andre store filmer på denne listen.

The Texas Chainsaw Massacre (1974)

The Texas Chainsaw Massacre av Tobe Hooper er en etterforskning av det merkelige makabre, ved å bruke rovdrap på en gruppe unge mennesker på 1970-tallet som et springbrett for noe veldig betydelig og forferdelig. Utgitt fem år etter Manson-drapene i 1969 og ett år før slutten av Vietnamkrigen i 1975, undersøker filmen den mest ekstreme tolkningen av amerikansk frihet og essensen av kult, og henter inspirasjon fra Wes Cravens The Last House on the Left fra 1972.

Ideen om å demokratisere eller med makt påtvinge andre sine ideer til det punktet at de påførte dem skade ble gjentatt i Hoopers forvrengning av kjernefamilien så vel som i appellen til kulter blant amerikanere hjemme og det meningsløse, grusomme blodbadet av imperialistiske bestrebelser i utlandet. Hvis kulten er det grufulle høydepunktet av uttrykksfull frihet, så er imperialismen i utlandet dens polare motsetning. Det faktum at Hooper velger hippier som sine ofre – som motsatte seg Vietnamkrigen og utgjorde en betydelig del av den utvidede Manson-familien – understreker den ofte motstridende naturen til både den 'amerikanske måten' og 'new age'-individualiteten.

The Texas Chainsaw Massacre er et amerikansk mesterverk som inspirerte en mengde oppfølgere og omstarter. Det er en av de mest oppsiktsvekkende, brutale, kunstneriske og tankevekkende skrekkfilmene gjennom tidene.

The Thing (1982)

Få menneskers sinn er så store som John Carpenters når det kommer til skrekk. Han er utvilsomt en maestro av skrekksjangeren, og The Thing er et av hans fineste verk. Filmen er en hybrid mellom en skapning og Ridley Scotts Alien, som foregår i et avsidesliggende antarktisk forskningsanlegg. Bytt Nostromo-romskipet til en base i planetens kaldeste region; gitt hvor fjernt det er fra sivilisasjonen, kan dette stedet like godt være i det store rommet.

Helvete bryter løs når en mutert assimilerende bakterie kommer inn på stasjonen. Den kan etterligne andre levende former perfekt, ta inn nesten alt, og hvis den får lov til å bli vill, kan den teoretisk konsumere alt liv på jorden. Sjansene er stablet mot R.J. Vær forberedt på litt påtakelig spenning når MacReady (Kurt Russell) kjemper mot denne ukjente «tingen».

The Wicker Man (1973)

The Wicker Man, den beste av en nysgjerrig trend innen britiske folkeskrekkfilmer, er ikke spesielt skremmende eller skremmende, men det er faktisk en del av dens særegne appell. Det er en munter, optimistisk film som fungerer som en påminnelse om alle de grufulle filosofiene, holdningene og voldshandlingene som finnes i våre egne nabolag. Den fungerer som en forgjenger til Midsommar, nok en fantastisk skrekkfilm, så vel som til alle de skremmende filmene som spiller på vår felles frykt for «den andre».

I The Wicker Man har 'den andre' to betydninger. Sersjant Neil Howie, en tilbaketrukket mann, viser seg på en liten øy som hovedsakelig er befolket av kvinner. Han er åpenbart en outsider på dette merkelige stedet, men han leter etter en savnet ung jente. Det keltiske hedenskap og feminisme av denne gruppen vrede sin ortodokse kristne religion og strenge patriarkalske tendenser, og hver side føler seg truet av den andre. Forskningen hans driver ham bare videre inn i øyas skumle virkelighet. The Wicker Man er en tidløs film med betydelig kulturell betydning. Det er en merkelig, drømmende film med en av de beste skrekkavslutningene.

The Witch (2015)

The Witch av Robert Eggers er en av de ti mest skumle filmene som noen gang er laget i tillegg til å være en mesterlig skildring av det tidlige Amerika. Historien dreier seg om en puritansk familie som flyktet fra sin tidlige amerikanske by på grunn av et uspesifisert religiøst kjetteri og flyttet til en del av ubebygd villmark. De lærer raskt, til sin forferdelse, at hekser streifer rundt i skogen i nærheten der huset deres ligger.

The Witch har en skremmende skummel åpningsscene og blir gradvis mer sinnssyk etter hvert som den skrider frem til en genuint urovekkende konklusjon. Hele filmen er en fascinerende, cerebral undersøkelse av måtene kvinner utfordret patriarkalske og religiøse idealer på og hvordan, selv for 400 år siden, ikke kunne gjenoppfinnes Amerika. The Witch bør appellere spesielt til deg hvis du liker historisk skrekk.

Vampyr (1932)

Carl Theodor Dreyer regnes som en av de største transcendentale regissørene gjennom tidene. Han var visjonæren bak noen av de største filmene som noen gang er laget og er kjent for sin harde, men åndelige stil og vedvarende refleksjoner rundt tro. Hans tidlige mesterverk Vampyr, en uvanlig utstikker i filmografien hans (som også inkluderer den feilfrie religiøse filmen Ordet og det stille mesterverket The Passion of Joan of Arc), inneholder mange av temaene hans. Skrekkfilmer kommer vanligvis nærmest direkte å takle åndelige og overnaturlige problemer på en måte som har en viss grad av masseappell.

Den enestående danske filmen (med internasjonal stil), som ble utgitt et år etter Dracula, er sannsynligvis en enda bedre vampyrhistorie. Vampyr har skumle, klassiske bilder som er umulig å glemme, fra den overordnede utvaskede estetikken til spesielle scener som de med de streifende skyggene og melmøllescenene. Historien sentrerer om en reisende hvis opphold på et vertshus blir forstyrret av paranormal aktivitet, et drap og det demoniske riket.

Videodrome (1983)

Skrekken i David Cronenbergs karriere er rikelig, selv om han ikke først og fremst er en skrekkregissør. Han har regissert noen få skrekkfilmer (Rabid, Shivers), men arbeidet hans er generelt ukategoriserbart og visuelt grusomt. Selv om han ofte lager sci-fi-, drama- eller thrillerklassikere (Naked Lunch, eXistenZ, Crash, Scanners, A History of Violence, etc.), er han kongen av «kroppsskrekk».

Fram til årets Crimes of the Future er Videodrome kanskje hans mørkeste og mest urovekkende film, men Videodrome er utvilsomt overlegen. Filmen handler om en sleip TV-sjef som oppdager en lyssky kanal som viser brutal BDSM, tortur og andre illevarslende gjerninger. Han prøver å få tak i signalet og kringkaste det på sitt eget nettverk, men seerne opplever en sekvens av skremmende hallusinasjoner som et resultat av signalets tilsynelatende innvirkning på sinnet deres.

Den urovekkende satiren over media, vold og teknologi i Videodrome, som har den briljante Deborah Harry (fra bandet Blondie) og James Woods i en av hans beste opptredener, føles som en direkte oversettelse av Marshall McLuhans forfatterskap. Den provoserer til ettertanke ustanselig og er strålende, ekkel, visuelt storslått og rørende.